Bien, llegamos al que probablemente sea el más importante entre los valores objetivos. Ese maravilloso mundo del color. ¿Qué sería de nuestra vida sin colores?.
A quien no le pasó, cuando comenzó en este maravilloso mundo de la pintura, que fue a la tienda de materiales de arte, a comprar sus primeros tubos de óleo, pero se encontró con un montón de colores distintos, todos apilados en un mostrador, como dulces. Todas las gamas de azules, de rojos, de amarillos, verdes, violetas, naranjos. Como 200 colores distintos en una carta, y uno allí sin tener idea de cuales comprar...
Son como dulces, uno quisiera tenerlos todos, pero no siempre se puede...
Quiero comenzar esta entrada con una pequeña confesión. Verán, desde muy chico, siempre he sentido una autentica fascinación por los pintores rusos. Vale, me corrijo, en verdad desde la primera vez que tuve acceso a internet y me puse a buscar cuadros y pintores por toda la red como loco, pero eso no cambia el hecho. Desde el primer momento en que descubrí esta vastisima cultura pictórica, los pintores rusos siempre han tenido un lugar especial en mi corazón.
Esta entrada consta de dos partes. En la primera hago una brevisima reseña de la historía de la pintura en Rusia, en terminos muy generales. La motivación para escribirla es que el artículo de la Wikipedia sobre este tema es bastante largo y latero, además de que no aborda para nada la actualidad de los artistas herederos de esta tradicón.
Escribirla tambien me sirve para poner el contexto de la segunda parte, en la que presento a un pequeño grupo de pintores tradicionalistas rusos contemporáneos. La razón de elegirlos, entre tantos pintores que hay Rusia, es que a mi, personalmente, me parecen de una calidad extraordinaria. Lamentablemente son practicamente desconocidos fuera de Rusia. Hasta encontrar información en inglés sobre los mismos es dificil. Estos pintores son: Sergey Ivanovich Smirnov, Evgeny Vechtomov, e Igor Karachevsky.
Esta entrada es un pequeño homenaje uno de mis pintores favoritos: Giorgio Morandi.
Morandi (1890-1964) enseñó grabado en su Bolonia natal y también produjo un conjunto inusual de pequeños bodegones al óleo. La primera vez que vi una reproducción de su obra tuve una reacción física de emoción y asombro. Lo que destaca después de un largo estudio de muchos libros sobre Morandi es su invención de un lenguaje visual que resolvió la tesis-antítesis del arte clásico y moderno, y la forma en que sus pinturas son esencialmente filosóficas: recatadas, estoicas, humorísticas, pero también numinosas. Hay una gran tensión consciente en su obra entre la quietud y el movimiento, entre el color y el no color, entre la figura y el fondo, entre el vacío y el lleno, entre lo serio y lo lúdico. Todos están explorados con gracia y habilidad; fue un experimentador dedicado dentro de un conjunto de limitaciones deliberadas. Tal vez sea principalmente un pintor de pintores por todas las razones anteriores, pero sigue siendo mi filósofo semi-recluso favorito del pincel. Giorgio Morandi: The Art of Silence, de Janet Abramowitz, cuenta la interesante historia de su carrera de una manera comprensiva y perspicaz. Hay muchas monografías disponibles sobre Morandi, una muy interesante es Morandi Ultimo de Laura Mattioli Rossi.
-Tad Spurgeon
Demás está decir que muchas de mis propias pinturas, son, de alguna forma, un homenaje a Giorgio Morandi... bodegones sencillos, honestos, pintados del natural, sin pretensiones, creo firmemente que allí se haya el alma de la pintura.
Una de las muchas pinturas que he pintado inspirado por Giorgio Morandi
La verdad hace tiempo que quería escribir una entrada con el mismo titulo del blog, así que después de las entradas sobre las paletas y los pinceles, creo que por fin llegó la hora de hacerlo.
En esta ocasión, valga la redundancia, la entrada será sobre el tema que da sustento a este blog, y que de cierta forma, definió en buena parte lo que es nuestro arte occidental. Escribo, como no, sobre el aceite...
Pero antes que nada quisiera partir con una pequeña reflexión:
Usualmente todas las cosas, por grandes que nos parezcan, siempre parten por algo pequeño, muy pequeño. "Efecto Mariposa" le dicen algunos; el punto es que un pequeño hecho incidental tiene el potencial de cambiar curso de la historia para siempre. Ejemplos hay muchos, pero en el caso especifico del arte, ese pequeño hecho que lo cambió todo fue la simple existencia de... una planta.
Así es, una planta, una sin la cual la historia de la pintura sería otra, una muy, pero muy distinta. Una planta que, me atrevería a decir, es nada menos que el alma misma de la pintura tradicional. De las semillas viene su aceite, lo más versátil y noble que existe para crear un cuadro, y de su tallo; el textil más famoso en el mundo de las Bellas Artes. Así es; como sospecho que ya intuyes, esta planta es nada menos que la linaza...
El ciclo de vida de la linaza; desde que florece hasta que se convierte en un cuadro.
Bien, por fin comienza la serie de los 12 valores, la verdad estoy muy entusiasmado por escribirla. Es algo que vengo fraguando en mi cabeza de hace tiempo, pero no había tenido tiempo de escribirlo en el blog. Ojalá pueda terminar la serie en un tiempo más o menos razonable. No daré plazos, pues la verdad siempre he preferido demorarme mucho en escribir algo, pero que quede bien, antes que escribir a la rápida y no se entiendan las ideas.
Pero en fin, este es el primero de los 6 valores objetivos. Recordemos que los valores objetivos son aquellos que el pintor, y nadie más que el pintor, le da al cuadro. Tienen que ver más bien con la parte del oficio, de la técnica, del talento, o la maestría de quien usa los pinceles. Los subjetivos (que veremos mucho más adelante), por el contrario, son aquellos valores en que la persona que aprecia el cuadro debe poner de su parte, para que puedan manifestarse. Por ende estos valores pueden apreciarse o no, dependiendo de quien observe la pintura, de ahí que sean valores "subjetivos".
Recordar por último que los 12 valores se aplican a la pintura en el sentido más tradicional posible. Vale decir, a representaciones subjetivas del mundo natural, hechas con pintura. Ósea, pintura que representa, o trata de representar, al mundo tangible, o algunos aspectos del mismo (o lo intenta, al menos). Esto independiente de la carga emotiva, motivacional, o intelectual que se le de. De ahí que seria absurdo tratar de aplicar los 12 valores a una obra suprematista de Malevich, o a un dripping de Jackson Pollock (es muy obvio, pero no está demás recordarlo). En fin, vamos con el primero de estos valores objetivos:
En esta entrada quisiera aclarar algo muy importante que se me quedó en el tintero la vez pasada, en la entrada de "introducción" a los 12 valores de la pintura. No es nada menos que aclarar el por qué los valores de la pintura, son dualistas, y se cumplen cuando existe un equilibrio entre 2 parámetros antagónicos.
Busto de Aristóteles, que se haya en el
Palacio Antemps, Roma.
Antes que nada sepan que esto de que los "valores" (valores en general, no sólo de la pintura), sean dualistas, no es para nada algo que me haya inventado yo. Es algo muy antiguo, una hipótesis que viene del mismo Aristóteles, y es una teoría tan acertada, que a pesar de haber sido propuesta hace más de dos milenios, aún no ha podido ser rebatida, y es perfectamente aplicable a nuestras propias vidas, en pleno siglo XXI.
Esta no es nada menos que la "teoría del justo medio", de Aristóteles:
Para Aristóteles "la felicidad se encuentra en la virtud, en la perfección de la función propia del hombre, la razón. Como en el hombre hay una parte irracional, podemos dividir las virtudes en dos clases: virtudes dianoéticas (las propias de la razón) y virtudes éticas (las de la razón aplicada a los apetitos sensibles). La virtud ética es un hábito de elección que conduce a optar por el equilibrio entre dos extremos viciosos ("justo medio").
Esta entrada, que es la primera de una serie de entradas (partes de un todo), es con diferencia, pero muchísima diferencia, lo más importante y significativo que he escrito y escribiré en este blog. En serio, los 12 valores de la pintura, representan para mi el alma, el sustento mismo, de lo que significa pintar.
Fue la primera y más importante lección que me enseñó mi maestro, el pintor español Martin Soria, y creo que nunca se agotará mi gratitud hacia él por habermelo enseñado, por todo lo que significó para mí. Digamos que nunca más volví a apreciar un un cuadro de la misma forma después de entender los 12 valores. Y es precisamente eso tan valioso para mi, lo que quiero plasmar y compartir en esta serie de entradas.
Esta es una columna cortita de Miles Williams Mathis, pero con mucho contenido, pues explica muy bien el por qué los grandes pintores de mediados y finales del siglo XIX, como Manet, Courbet, Renoir, Pissarro, Van Gogh, o Cezanne, no son en lo absoluto "precursores" de lo que conocemos como "Arte Moderno".
Normalmente en las facultades de arte de las universidades, se enseña que los impresionistas y posimpresionistas son los precursores de todas las demás "Vanguardias del siglo XX".
"Vanguardias" no es más que un nombre elegante para definir movimientos que quisieron "redefinir" al arte. No se confundan, no estoy negando la importancia historica de estos movimientos. Pero eso de que el Impresionismo sea el "precursor" de las "Vanguardias", o si quiera el primero de estos movimientos, es FALSO, falso como billete de 3 lucas.
Si van Gogh o Cezanne "resucitaran" hoy en día, se caerian de potoal saber que la "historia del arte oficial", los considera precursores de personajes como Pablo Picasso, o Andy Warhol.
Acabo de descubrir un canal de youtube la raja, muy muy weno. Se trata del canal del pintor ruso Alexander Vistin (Александр Вицин). Apenas lo descubrí me pase casi toda una tarde viendo sus videos. He aquí algunas razones por las que me gusta:
I) El tipo pinta todo, absolutamente todo, del natural y nada más que del natural. No tiene esa fea costumbre de pintar desde fotos. No me voy a poner a discutir si pintar desde fotos es correcto o incorrecto, no soy nadie para pontificar sobre eso. Sin embargo, nadie me puede negar que el ojo y la mente humanas perciben el mundo muy distinto al lente de una camara (lo que hace que una foto y un cuadro sean muy distintos), y que andar por la vida calcando fotos con la pintura es aburrido, soporíficamente aburrido...
II) Su técnica es netamente Alla Prima, vale decir, no en capas sucecivas, sino que todo el cuadro en una sola sesión. Esta es por lejos la forma más dificil de pintar con óleo, casi tan dificil como pintar con acuarela (aunque no tanto, la verdad no existe nada más peluo que la acuarela). Quizás actualmente el mayor maestro mundial en lo que se refiere a pintura "Alla Prima", sea Richard Schmid, pero no está en youtube, y debes pagar como $100 dolares para ver sus video-tutoriales. Lo bacán es que este tipo igual tiene su maestría pintando "Alla Prima", y sus videos sirven mucho para quien quiera aprender lo básico, y no gastar dinero.
III) Parte todos sus cuadros bocetando las formas, y estableciendo los valores con aguadas de sombra tostada, un habito muy bueno que todo pintor "Alla Prima" deberia interiorizar.
IV) Sus videos son time-lapses, grabados en tiempo real. Hay muchos canales de pintura al óleo, pero pasa que muchas veces entrecortan el progreso, por lo que no ves todas las etapas en la creación del cuadro. En estos videos no, comprime una hora de trabajo continúo como en 10 minutos, por lo que puedes ver absolutamente todo el progreso, sin darte la lata de ver un video de 1 hora.
V) Pinta bodegones, el cúal es mi genero pictórico favorito.
Bueno, he aquí otro ensayo más de Miles. Este en particular siempre ha sido uno de mis favoritos, y uno de los más sencillos y lucidos. Debe ser porque lo escribió el 2005, antes de que empezara a obsesionarse con las teorías de conspiración. Su lectura resulta bastante amena, y dice mucho de lo que es el arte y el talento. Demás está decir que adhiero completamente a cada frase de este ensayo. Disfrutenlo!
Bueno, he aquí otra traducción de un ensayo de Miles W. Mathis. A este paso probablemente termine traduciendo casi todos los ensayos de Mathis sobre el arte, ya que soy muy flojo como para terminar de escribir mis propias entradas, o redactar mis propios ensayos (y de todas forma este blog probablemente no lo lea casi nadie, así que da lo mismo). Igual, para que estamos con cosas, me gusta traducir mamotretos.
A las 2 o 3 personas a las que les interesan mis cuadros (siendo optimista), lamento informarles que fracasó rotundamente lo de "una semana, un cuadro", al final pinté poco y nada -¡qué novedad!-. Eso es culpa mía, mediocridad pura y dura, nunca termino casi nada de lo que empiezo, y de las pocas cosas que termino, casi nada lo termino bien. Anyways, he pintado algunas cosas, pero no han quedado como quería, y me da vergüenza subirlas.
Por lo menos al final igual participé en los 100 años de la Sociedad de Bellas Artes en la Alhambra, estuvo bonito, una amiga muy querida sacó medalla de plata en el Salón Nacional, así que muy feliz por ella. El nivel de los cuadros estuvo bueno, y aunque no saqué premio, igual presenté una pintura que me dejó conforme -quizás la única del año-.
Me gusta la Alhambra, tiene tanta historia, tantos grandes pintores chilenos que pasaron por allí (después de todo es la institución que fundó el propio Juan Francisco González)... eso si, hay que reconocer que hoy en día la Sociedad de Bellas Artes parece un club de la tercera edad, pero como sea, le tengo harto cariño, son tatas simpáticos, que de verdad aprecian la pintura tradicional (no como los de las facultades de arte de las Ues). Les agradezco mucho que me hayan dado el segundo lugar del Salón de Primavera este año (algo bueno que me pase de vez en cuando), así que hay harta motivación para seguir participando en el Salon Nacional los años venideros.
En fin, para qué seguir dando la lata... vamos al tema de la entrada. En esta ocasión trata sobre el conocido y malinterpretadisimo filosofo alemán Friedrich Nietzsche, y sus opiniones sobre el compositor Richard Wagner, que Mathis extrapola al "Arte Moderno", y el "Modernismo" en general, partiendo de una analogía entre la figura de Wagenr, y la de Picasso. Igual en el penúltimo párrafo queda en evidencia que Mathis ralla la papa, pero no por eso el ensayo deja de contener algunas verdades muy profundas. Disfrútenlo (o aburranse, qué se yo... xD):
Yo personalmente me identifico muchisimo con los ensayos de Miles W. Mathis sobre el arte, pero este en particular es la excepción, el unico ensayo de Mathis con el que no estoy de acuerdo. Por ello voy a traducirlo y dar mi opinion al final.
Debo decir eso si, antes que nada, que desde muy niño (desde que estaba en la basica), siempre me consideré un gran fan de Claudio Bravo. Bravo probablemente sea el pintor chileno del siglo XX más reconocido, junto a Roberto Matta.
Pero con Bravo pasa algo curioso. Por lo general, o lo amas, o lo odias, asi, sin termino medio. Y ciertamente hasta cierto punto, puedo entender los sentimientos que despierta en las personas a las que no les gusta.
Pienso que este ensayo de Miles W. Mathis ejemplifica muy bien la critica que muchos otros artistas hacen a la obra de Claudio Bravo, y por eso me parece muy interesante analizarlo. Asi que vamos al asunto:
Para que lo conozcan: Miles W. Mathis es un pintor y estudioso del latín y la literatura clásica, oriundo de Houston, Texas. Además de llevar varias décadas pintando retratos, desnudos femeninos, y paisajes, escribe asiduamente sobre diversos temas en su blog; desde arte hasta ciencia, critica social, y teorías de conspiración.
Eso si, hay que reconocer, antes que nada, que el tipo está CHIFLADO;en el amplio sentido de la palabra. Queda más que claro al leer sus locas teorías conspirativas, y de pseudociencias.
Sin embargo, deberíamos también recordar que con mucha frecuencia los locos y los genios se parecen. Alguien que es todo un lunático y desadaptado en cierto aspecto de su vida (o en muchos de ellos), puede perfectamente ser brillante en otro. La historia nos ha dado muchos ejemplos de eso, desde Newton hasta Kubrick.
Por eso, entre todos los disparates que escribe, lo que rescato son sus ensayos sobre arte. Muchos de estos ensayos me identifican bastante (o por lo menos me hacen mucho sentido). Si, es peligroso dar espacios a un chiflado, pero en este caso puntual tomaré el riesgo (por segunda vez)...
¿Ver cuadros por internet?; ¿qué opciones tenemos?
La web es una ventana al mundo en muchos sentidos, y el arte no es la excepción. En Internet existen un montón de paginas, portales, y blogs, dónde uno puede mirar toda clase de pinturas, de todas las latitudes, épocas, y géneros que se le puedan pasar por la cabeza.
Claro, nunca nada va a reemplazar la maravillosa experiencia de ver una pintura al óleo en vivo. Los empastes y pequeñas marcas que dejan las pinceladas tras de sí, los efectos ópticos de los distintos pigmentos y aceites, la profundidad que da una veladura, la difracción de la luz a través de varias capas pictóricas, y un largo etc... son todas cosas que lamentablemente ninguna imagen digital puede reproducir del todo por el momento, por muchos megapixeles que tenga.
Pero; "a falta de pan, buenas son las tortas", como dice mi madre. Así que no hay que quitarle merito a todos los recursos que nos da la web para contemplar cuadros digitalmente.
Bien, es hora de continuar con la segunda parte de la entrada anterior, pienso que esta entrada en particular va a ser bien significativa, y hace mucho que quería escribirla. No sólo por lo importante que es mantener bien cuidadas tus
herramientas principales, sino porque quiero derribar un par de mitos sostenidos de forma general, y que hacen mucho daño.
Esta entrada es, por supuesto, la continuación natural de la anterior sobre las paletas. Y vaya; que es un GRAN tema el de los pinceles. Pero antes de dar cualquier recomendación creo que sería bueno aclarar un par de cosas desde el vamos;
Yo entiendo que los materiales de arte, especialmente cuando son de buena calidad, suelen ser caros (aunque hay excepciones), y no siempre estamos dispuestos a "invertir" en cosas que a simple vista pareciera que dan lo mismo. Sobre todo considerando que por lo general esto es sólo un hobby...
Sin embargo, la próxima vez que vayas por materiales para esta disciplina de la pintura al óleo (porque si, la pintura al óleo tradicional es una disciplina, un oficio, y una subcultura; igual que las artes marciales); antes que gastar en pintura premium, soportes finos, mediums rebuscados, un atril robusto, o lo que sea; te aconsejaría que lo inviertas en unos buenos pinceles.
En esta ocasión me gustaría escribir sobre un tema muy importante para el oficio pictórico; un objeto importantísimo, que lamentable suele ser olvidado, o queda como ultima prioridad en el equipamiento del estudio de un artista.
Hablo de la paleta, ese mágico lugar donde los pigmentos se mezclan y los colores nacen. Yo siempre he pensado que los artistas deberían poner mucha más atención en sus paletas; pues es mucho más que el lugar dónde se realizan las mezclas.
Piensa que todo lo que hay en tu paleta, eventualmente, terminará en tu cuadro. Si tu paleta es un caos, donde aprietas el tubo de óleo en cualquier parte, está llena de colores sucios, desorganizados, con mezclas que terminan siendo grises indefinidos, pintura costrosa, y un revoltijo donde no se distingue lo que es cálido de lo que es frío; muy probablemente dicho desastre también se verá en tu cuadro, y no lograrás ninguna armonía cromática (sólo manchones poco agradables).
Y lo que es más importante; y que es algo que he visto una y otra vez, es que una de las características más notorias que los pintores que tienen un gran dominio sobre el color tienen en común (entiéndase grandes impresionistas como Monet o Seurat, o pintores contemporáneos de gran reconocimiento como Richard Schmid, Jeremy Lipking, o Daniel J. Keys), es que sus paletas son impecables, inmaculadas, en extremo organizadas, y SIEMPRE limpias antes de empezar una nueva obra.
De Izquierda a
derecha; las paletas de Georges Seurat, Camille Pissarro (el primer
impresionista), y Pierre Auguste Renoir. Tres grandes maestros de la
pintura universal que destacaron por su genial manejo del color.
Noten el alto grado de organización que tienen las pilas de pintura,
no es algo aleatorio en ningún caso.
Saludos; quiero compartir un articulo muy interesante que leí en el blog de Miles W. Mathis, y con el cual simple y llanamente no podría estar más de acuerdo (casi me roba los pensamientos de la cabeza).
Lo he traducido lo mejor que pude, y espero de todo corazón que su lectura le saque ronchas a cualquier chascón hippiento fan de Duchamp que pase por mi blog.
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Una breve introducción
al argumento en contra
de las Vanguardias
"¿Y qué podría llegar a hacer?
¿Estará dispuesto a sentir la misma pasión que yo?
pues si que podria ahogar la escena en lágrimas,
podría plantar un discurso horrido en los oidos de la gente,
podria volver loco al culpable y encolerizar al libre,
podría confundir al ignorante,
incluso podría sorprenderlo;
son nada menos que las más grandes facultades de los ojos y oídos"
-"Hamlet", Acto II, escena 2
W. Shakespeare - 1599
Soy el hocico del león ~el abismo repleto de colmillos~. El
destripador de butacas, el fantasma de Tolstoy, el brazo derecho de Caravaggio,
y la espada de Cellini.
No se olviden de Troya, pues les traigo regalos. Palabras
que lanzarán su caballería sobre ustedes.
Soy Diego Alonso, tengo 23 (pero eso cambia todos los años), y soy pintor aficionado. Y bueno, antes de contarles mi motivación para escribir este blog, partamos por que sepan el origen de este hobby.
La verdad no recuerdo cuando comenzó este gusto por las artes visuales. En el jardín de niños, entre los 4 y 6 años; disfrutaba mucho pintar con lapices de cera. Hacia dibujos de barcos que las tías siempre colgaban en la pared, y desde ahí nunca he parado.
